Deborah Schamoni

The undertow is invisible yet powerful. Beneath the deceptive still of the ocean’s surface, the undertow lurks there, its currents coursing, threatening to yank any creature tempted to take a refreshing dip. In their current solo exhibition at Deborah Schamoni, Maryam Hoseini explores the numerous unseen forces that, like the undertow, obstinately tug on us. Within their paintings, the body is never fixed or given, but instead is continually constituted and reconstituted as it resists and yields to the energies of the external world. 

Over the past decade, Hoseini has developed a visual language that takes the philosophical notion of “becoming” and renders it with visceral sensuousness. Hoseini’s paintings reside in those briefest of instants when the terrifying turns thrilling, when the elegiac turns ecstatic, when the painful turns pleasurable. Hoseini takes these slivers of time and extends them into eternities. Their works confront us with realms of endless mutability. Glimpses of limbs, flowers, and mountains momentarily bubble up from a field of shifting hues and moods, dissolving into one another before retreating back to the murky depths. Rather than a rejection of Western histories of classification and categorization, Hoseini’s paintings might be better understood as transporting us to a world where they have never even existed—where our bodies and most intimate selves have always bled into the physical environments we inhabit, where a feeling has always been an organ has always been a plant has always been a crevice.

This ethic of embodied becoming has its basis in the experience of how queer and migrant bodies must navigate and find joy in an otherwise hostile world. While Hoseini’s paintings often give expression to the surprising pleasures to be found within fragmentation and displacement, a palpable sense of unease and disquiet reverberates through their current works, created during a time when the United States, where Hoseini resides, is waging an aggressive war on Iran, where Hoseini is from. In Undertow, Hoseini uses the format of multipaneled paintings as a way of creating visual narratives whose initial coherence seems poised to buckle under destabilizing pressures. Forms metamorphose across the panels’ divides, splintering and changing color. Reddish organic breasts in one panel become purplish jagged spikes in the next. What first seems like symmetrical order reveals itself to be unstable and fragile, irreparably askew. In one painting, the breakages between panels are exaggerated through Hoseini’s addition of wooden constructions that they deem “slitters,” a portmanteau that conflates “slit” and “slither” into a term at once playful and sinister. Functioning as both gashes and sutures in the painting’s composition, these slitters are a reminder that fractures are also openings through which some new way of being might emerge. 

Hoseini builds up their paintings’ compositions with care, beginning by tinting their wooden surfaces with pigment and then applying thicker layers of vividly colored paint. The resultant surfaces are seductively tactile, drawing the viewer into their perfectly imperfect worlds. But the viewer’s eye is never given a place to rest. Fields of patterns function like structuring systems, their energies propelling our gaze across the painting, placing us into a state of continual drift as we pore over forms that are at once figurative and abstract, organic and artificial, landscape and affect, forms that are always almost coalescing into some other unnamable thing. It is a way of reminding us that our own footing is no more stable than that of the figures we glimpse—that the undertow has us in its grip, too.

Text: Andrew Wagner

Die Unterströmung ist unsichtbar und zugleich von erheblicher Gewalt. Unter der trügerischen Ruhe der Meeresoberfläche zirkuliert sie unablässig und droht alles mit sich zu ziehen, was sich ihr nähert. In ihrer aktuellen Einzelausstellung bei Deborah Schamoni untersucht Maryam Hoseini jene unsichtbaren Kräfte, die – wie eine Unterströmung – beständig an Körpern, Wahrnehmungen und Formen des Selbst ziehen. Der Körper erscheint in ihren Gemälden niemals als stabile Einheit, sondern als etwas, das sich fortlaufend unter dem Druck äußerer Energien formiert, auflöst und neu zusammensetzt.

Über die vergangenen zehn Jahre hat Hoseini eine Bildsprache entwickelt, die philosophische Vorstellungen des Werdens in eine unmittelbar physische Erfahrung überführt. Ihre Malerei operiert in jenen instabilen Übergangszonen, in denen Bedrohung in Erregung kippt, Schmerz Lust berührt oder das Elegische ins Exzessive umschlägt. Hoseini dehnt diese flüchtigen Zustände aus und überführt sie in Bildräume permanenter Transformation. Fragmente von Gliedmaßen, Blumen oder Landschaften treten aus vibrierenden Farbfeldern hervor, lösen sich wieder auf und sinken zurück in diffuse Tiefenräume. Anstatt bestehende Ordnungssysteme zurückzuweisen, entwerfen ihre Arbeiten vielmehr eine Welt, in der solche Kategorien nie vollständig ausgebildet waren  eine Welt, in der Körper und Umgebung, Gefühl und Materie, organische und geologische Formen kontinuierlich ineinander übergehen. 

Diese Vorstellung verkörperter Transformation ist eng mit der Erfahrung queerer und migrantischer Existenz verbunden: mit der Notwendigkeit, sich innerhalb feindlicher Strukturen zu bewegen und dennoch Momente von Lust, Intimität und Handlungsmacht hervorzubringen. Während frühere Arbeiten häufig die produktiven Möglichkeiten von Fragmentierung und Entortung betonten, sind die neueren Gemälde von einer deutlich spürbaren Spannung und Fragilität durchzogen. Sie entstehen in einer Zeit zunehmender geopolitischer Gewalt — zwischen den Vereinigten Staaten, wo Hoseini lebt, und dem Iran, aus dem sie stammt.

In Undertow arbeitet Hoseini verstärkt mit mehrteiligen Bildformaten, deren scheinbare Kohärenz jederzeit auseinanderzubrechen droht. Formen wandern über die Grenzen einzelner Tafeln hinweg, splittern auf und verändern Farbe und Konsistenz. Rötliche, organische Formen in einer Tafel erscheinen in der nächsten als violette, gezackte Spitzen wieder. Was zunächst symmetrisch wirkt, erweist sich als prekär und instabil. In einem der Gemälde akzentuiert Hoseini die Brüche zwischen den Tafeln durch hölzerne Konstruktionen, die sie als „slitters“ bezeichnet – ein Kofferwort aus „slit“ und „slither“, zugleich spielerisch und latent bedrohlich. Als Einschnitt und Naht zugleich markieren diese Elemente Bruchstellen, aus denen neue Formen des Erscheinens hervortreten.

Hoseini entwickelt ihre Kompositionen mit großer Präzision. Die Holzoberflächen werden zunächst mit Pigmenten getönt und anschließend in dichten Schichten mit leuchtender Farbe überzogen. Daraus entstehen Oberflächen von hoher taktiler Präsenz, die den Blick in ihre bewusst instabilen Bildwelten hineinziehen. Zugleich verweigern die Arbeiten jede Form visueller Ruhe. Muster und Raster fungieren als energetische Systeme, die den Blick permanent über die Oberfläche treiben. Formen bleiben dabei in einem Zustand der Schwebe – zwischen Figuration und Abstraktion, Organischem und Künstlichem, Landschaft und Affekt. Immer wieder verdichten sie sich beinahe zu etwas Erkennbarem, bevor sie sich erneut entziehen. Gerade darin liegt die besondere Spannung dieser Malerei: Sie erinnert daran, dass auch unser eigener Standpunkt nicht stabiler ist als der jener Figuren, die in ihren Strömungen auftauchen und verschwinden.

Text: Andrew Wagner